A história

Arte de um Império: a imaginação, criatividade e habilidade dos astecas


O Império Asteca, centrado na capital Tenochtitlan, dominou a maior parte da Mesoamérica nos séculos 15 e 16 dC. Com a conquista militar e a expansão do comércio, a arte dos astecas também se espalhou, ajudando-os a alcançar uma hegemonia cultural e política sobre seus súditos e criando para a posteridade um registro tangível da imaginação artística e do grande talento dos artistas desta última grande civilização mesoamericana.

Influências

Tópicos comuns percorrem a história da arte mesoamericana. As civilizações Olmeca, Maia, Tolteca e Zapoteca, entre outras, perpetuaram uma tradição artística que exibia o amor pela escultura em pedra monumental, arquitetura imponente, cerâmica altamente decorada, carimbos geométricos para tecidos e arte corporal e trabalhos em metal de tirar o fôlego, todos usados ​​para representam pessoas, animais, plantas, deuses e características de cerimônias religiosas, especialmente aqueles ritos e divindades ligados à fertilidade e à agricultura.

Os artistas astecas também foram influenciados por seus contemporâneos de estados vizinhos, especialmente artistas de Oaxaca (alguns dos quais residiram permanentemente em Tenochtitlan) e da região Huasteca da Costa do Golfo, onde havia uma forte tradição de escultura tridimensional. Essas influências diversas e os gostos ecléticos dos astecas e a admiração pela arte antiga tornaram sua arte uma das mais variadas de todas as culturas antigas em qualquer lugar. Esculturas de deuses horríveis com imagens abstratas podem vir da mesma oficina que as obras naturalistas que retratam a beleza e a graça da forma animal e humana.

Características da arte asteca

O trabalho em metal era uma habilidade particular dos astecas. O grande artista renascentista Albrecht Drurer viu alguns dos artefatos trazidos de volta à Europa que o levaram a dizer: '... Nunca vi em todos os meus dias aquilo que tanto alegrou meu coração, como essas coisas. Pois eu vi entre eles objetos artísticos incríveis e fiquei maravilhado com a engenhosidade sutil dos homens nestas terras distantes '. Infelizmente, como acontece com a maioria dos outros artefatos, esses objetos foram derretidos para troca de moeda, e assim poucos exemplos sobreviveram das excelentes habilidades de metalurgia dos astecas em ouro e prata. Itens menores foram descobertos, entre eles labrets de ouro (piercings labiais), pingentes, anéis, brincos e colares de ouro representando tudo, desde águias a cascos de tartaruga e deuses, que são testemunho das habilidades em fundição de cera perdida e trabalho de filigrana dos melhores artesãos ou tolteca.

A escultura asteca foi uma sobrevivente melhor, e seu tema muitas vezes eram indivíduos da extensa família de deuses que eles adoravam. Esculpidas em pedra e madeira, essas figuras, às vezes de tamanho monumental, não eram ídolos contendo o espírito do deus, já que na religião asteca acreditava-se que o espírito de uma divindade em particular residia em feixes sagrados mantidos dentro de santuários e templos. No entanto, considerou-se necessário "alimentar" essas esculturas com sangue e objetos preciosos, daí as histórias dos conquistadores espanhóis de enormes estátuas salpicadas de sangue e incrustadas de joias e ouro. Outras grandes esculturas, mais redondas, incluem o magnífico deus sentado Xochipilli e os vários chacmools, figuras reclinadas com uma cavidade entalhada no peito que servia de receptáculo para o coração das vítimas do sacrifício. Estas, como a maioria das outras esculturas astecas, já foram pintadas com uma ampla gama de cores brilhantes.

Esculturas em menor escala foram encontradas em locais no centro do México. Estes geralmente assumem a forma de divindades locais e especialmente deuses relacionados à agricultura. Os mais comuns são as figuras femininas eretas de uma divindade do milho, normalmente com um cocar impressionante, e o deus do milho Xipe Totec. Sem a sutileza da arte patrocinada pelo imperialismo, essas esculturas e figuras de cerâmica semelhantes costumam representar o lado mais benevolente dos deuses astecas.

Faca Cerimonial Asteca ( Curadores do Museu Britânico )

O trabalho em miniatura também era popular onde temas como plantas, insetos e conchas eram reproduzidos em materiais preciosos como carnelita, pérola, ametista, cristal de rocha, obsidiana, concha e o mais valioso de todos os materiais, jade. Outro material altamente valorizado eram as penas exóticas, especialmente a plumagem verde do pássaro quetzal. Penas cortadas em pequenos pedaços foram usadas para criar pinturas em mosaico, como decoração para escudos, trajes e leques, e em magníficos enfeites de cabeça como o atribuído a Motecuhzoma II que agora está no Museum für Völkerkunde em Viena.

A turquesa era um material particularmente apreciado pelos artistas astecas, e seu uso em forma de mosaico para cobrir esculturas e máscaras criou algumas das imagens mais impressionantes da Mesoamérica. Um exemplo típico é o crânio humano decorado que representa o deus Tezcatlipoca e que agora reside no Museu Britânico, em Londres. Outro bom exemplo é a máscara de Xiuhtecuhtli, o deus do fogo, com olhos de madrepérola de aparência sonolenta e um conjunto perfeito de dentes de concha branca. Finalmente, há o magnífico peitoral da cobra de duas cabeças, também agora no Museu Britânico. Com madeira de cedro entalhada completamente coberta por pequenos quadrados de turquesa e as bocas vermelhas e dentes brancos representados em espondilo e concha respectivamente, a peça provavelmente já fez parte de um traje cerimonial. A cobra era uma imagem potente na arte asteca, pois a criatura, capaz de trocar sua pele, representava a regeneração e também era particularmente associada ao deus Quetzalcoatl.

Apesar da ausência da roda de oleiro, os astecas também eram especializados em cerâmica, conforme indicado por grandes figuras ocas e várias urnas com tampa lindamente esculpidas que foram escavadas ao lado do Templo Mayor em Tenochtitlan, provavelmente usadas como receptáculos para as cinzas funerárias. Outros exemplos de trabalhos em cerâmica são os incensários moldados com pernas de tripé da Texcoco, jarros com bico e elegantes xícaras em forma de ampulheta. Esses vasos são tipicamente de paredes finas, bem proporcionados, têm um deslizamento creme ou vermelho e preto e carregam desenhos geométricos finamente pintados em desenhos anteriores e flora e fauna em exemplos posteriores. A cerâmica mais apreciada pelos próprios astecas, e o tipo que o próprio Motecuhzoma usava, eram as peças ultrafinas de Cholula de Cholollan, no vale de Puebla. Os vasos também podiam ser feitos de moldes ou esculpidos enquanto a argila ainda era dura como couro. Um bom exemplo desses vasos antropomórficos é o célebre vaso que representa a cabeça do deus da chuva Tlaloc pintado de azul brilhante, com olhos esbugalhados e temíveis presas vermelhas, agora no Museu Nacional de Antropologia da Cidade do México.

Um vaso do século 15 dC representando o deus mesoamericano da chuva, das tempestades e da agricultura, Tlaloc ( Alex Torres / Flickr )

Os instrumentos musicais foram outra parte importante do repertório do artista asteca. Estes incluíam flautas de cerâmica e madeira Teponaztlis e huehuetls, respectivamente, tambores cerimoniais longos e retos. Eles são ricamente decorados com entalhes, e um dos melhores é o tambor Malinalco, que é coberto por onças dançantes e águias que representam vítimas de sacrifício, conforme indicado por faixas e rolos de fala de guerra e símbolos de fogo.

Arte como propaganda

Os astecas, assim como seus predecessores culturais, empregaram a arte como uma ferramenta para reforçar seu domínio militar e cultural. Edifícios imponentes, afrescos, esculturas e até manuscritos, especialmente em locais importantes como Tenochtitlan, não apenas representavam e até mesmo reproduziam os elementos-chave da religião asteca, mas também lembravam os povos súditos da riqueza e do poder que permitiam sua construção e fabricação.

O exemplo supremo desse uso da arte como meio de transmissão de mensagens políticas e religiosas é o Templo Mayor em Tenochtitlan, que era muito mais do que uma pirâmide imensamente impressionante. Foi cuidadosamente projetado em todos os detalhes para representar a montanha sagrada da serpente da terra Coatepec, tão importante na mitologia e religião asteca. Esta montanha foi o local onde Coatlicue (a terra) deu à luz seu filho Huitzilopochtli (o sol), que derrotou os outros deuses (as estrelas) liderados por sua irmã Coyolxauhqui (a lua). Um templo para Huitzilopochtli foi construído no topo da pirâmide junto com outro em homenagem ao deus da chuva Tlaloc. Outras associações com o mito são as esculturas de cobras que revestem a base e a Grande Pedra Coyolxauhqui esculpida em c. 1473 DC, também encontrado na base da pirâmide e que representa em relevo o corpo desmembrado da deusa caída. A pedra, junto com outras esculturas como a Pedra Tizoc, relacionou essa imagem cósmica à derrota contemporânea dos inimigos locais. No caso da Pedra Coyolxauhqui, a derrota dos Tlatelolca está sendo referenciada. Por fim, o Templo Mayor era em si um repositório de arte, pois, quando seu interior foi explorado, uma vasta horda de esculturas e objetos de arte foram descobertos sepultados com os restos mortais e essas peças são, em muitos casos, obras que os astecas possuíam. eles próprios coletados de culturas mais antigas do que a sua.

Templos que exaltam a visão asteca do mundo também foram construídos em territórios conquistados. Os astecas geralmente deixavam as estruturas políticas e administrativas existentes no lugar, mas impunham seus próprios deuses em uma hierarquia acima das divindades locais, e isso era feito principalmente por meio da arquitetura e da arte, apoiada por cerimônias de sacrifício nesses novos lugares sagrados, tipicamente construídos em locais sagrados anteriores e muitas vezes em cenários espetaculares, como nos picos das montanhas.

As imagens astecas que se espalharam por todo o império incluem muitas divindades menos conhecidas do que Huitzilopochtli e há um número surpreendente de exemplos de deuses da natureza e da agricultura. Talvez os mais famosos sejam os relevos da deusa da água Chalchiuhtlicue na colina Malinche perto da antiga Tula. Essas e outras obras de arte asteca foram feitas na maioria das vezes por artistas locais e podem ter sido encomendadas por autoridades que representam o estado ou por colonos privados do coração asteca. Arte arquitetônica, esculturas rupestres de deuses, animais e escudos e outros objetos de arte foram encontrados em todo o império de Puebla a Veracruz e especialmente em torno de cidades, colinas, nascentes e cavernas. Além disso, esses trabalhos geralmente são únicos, sugerindo a ausência de oficinas organizadas.

A Pedra de Tizoc ( Dennis Jarvis / Flickr )

Obras-primas

A grande pedra circular de Tizoc (esculpida em c. 1485 dC em basalto) é uma mistura magistral de mitologia cósmica e política do mundo real. Foi originalmente usado como uma superfície para realizar sacrifícios humanos e como essas vítimas geralmente eram guerreiros derrotados, é inteiramente apropriado que os relevos ao redor da borda da pedra representem o governante asteca Tizoc atacando guerreiros de Matlatzinca, uma área conquistada por Tizoc no final do século 15 dC. Os derrotados também são retratados como chichimecas, ou seja, bárbaros sem-terra, enquanto os vencedores usam as roupas nobres dos reverenciados antigos toltecas. A superfície superior da pedra, com 2,67 m de diâmetro, representa um disco solar de oito pontas. A Pedra de Tizoc agora reside no Museu Nacional de Antropologia da Cidade do México.

Estátua de Coatlicue exibida no Museu Nacional de Antropologia da Cidade do México ( CC by SA 3.0 / Luidger )

A enorme estátua de basalto de Coatlicue (esculpida na metade do século final do domínio asteca) é amplamente considerada um dos melhores exemplos de escultura asteca. A deusa é apresentada em uma forma aterrorizante com duas cabeças de cobra, pés e mãos com garras, um colar de mãos desmembradas e corações humanos com um pingente de caveira e vestindo uma saia de cobras se contorcendo. Talvez uma de um grupo de quatro e representando a revelação do poder feminino e do terror, a estátua de 3,5 m de altura se inclina ligeiramente para a frente, de modo que o efeito dramático geral da peça é tão emocionante que é compreensível por que a estátua foi realmente enterrada várias vezes após sua escavação original em 1790 CE. A estátua de Coatlicue agora reside no Museu Nacional de Antropologia da Cidade do México.

Pedra do Sol Asteca ( Dennis Jarvis / Flickr )

A Pedra do Sol, também conhecida como Pedra do Calendário (apesar de não ser um calendário em funcionamento), deve ser o objeto de arte mais reconhecível produzido por qualquer uma das grandes civilizações da Mesoamérica. Descoberta no século 18 EC perto da catedral da Cidade do México, a pedra foi esculpida c. 1427 CE e mostra um disco solar que apresenta os cinco mundos consecutivos do sol da mitologia asteca. A pedra basáltica tem 3,78 m de diâmetro, quase um metro de espessura e já fez parte do complexo do Templo Mayor de Tenochtitlan. No centro da pedra está uma representação do deus sol Tonatiuh (o Sol do Dia) ou Yohualtonatiuh (o Sol da Noite) ou do monstro terrestre primordial Tlaltecuhtli, neste último caso representando a destruição final do mundo quando o quinto sol caiu para a terra. Em torno da face central em quatro pontos estão os outros quatro sóis que se substituíram sucessivamente depois que os deuses Quetzalcoatl e Tezcatlipoca lutaram pelo controle do cosmos até que a era do quinto sol foi alcançada. De cada lado da face central estão duas cabeças ou patas de onça, cada uma segurando um coração, representando o reino terrestre. As duas cabeças na parte inferior central representam serpentes de fogo, e seus corpos correm ao redor do perímetro da pedra com cada uma terminando em uma cauda. As quatro direções cardinais e intercardeais também são indicadas com pontos maiores e menores, respectivamente.

Como um exemplo final da riqueza da arte asteca que sobreviveu aos melhores esforços destrutivos de seus conquistadores, está o guerreiro águia em tamanho real de Tenochtitlan. A figura, aparentemente prestes a levantar vôo, é em terracota e foi feita em quatro peças separadas. Este cavaleiro águia usa um capacete que representa a ave de rapina, tem asas e até pés com garras. Restos de estuque sugerem que a figura já foi coberta por penas reais para um efeito ainda mais realista. Originalmente, ele teria ficado com um parceiro, de cada lado de uma porta.

Conclusão

Após a queda do Império Asteca, a produção de arte indígena entrou em declínio. No entanto, alguns designs astecas sobreviveram no trabalho de artistas locais empregados por frades agostinianos para decorar suas novas igrejas durante o século 16 EC. Manuscritos e pinturas de penas também continuaram a ser produzidos, mas foi somente no final do século 18 EC que o interesse pela arte e história pré-colombianas levaria a uma investigação mais sistemática do que estava sob as fundações das cidades mexicanas modernas. Lentamente, um número cada vez maior de artefatos astecas revelou, caso houvesse alguma dúvida, evidências positivas de que os astecas estavam entre os artistas mais ambiciosos, criativos e ecléticos que a Mesoamérica já havia produzido.


Arte de um Império: a imaginação, criatividade e habilidade dos astecas - História

Os artesãos desempenharam um papel importante na cultura do povo mesopotâmico. Eles fizeram itens úteis para o dia a dia, como pratos, potes, roupas, cestas, barcos e armas. Eles também criaram obras de arte destinadas a glorificar os deuses e o rei.

O material mais comum para artistas mesopotâmicos era argila. A argila foi usada para cerâmica, edifícios monumentais e tabuinhas usadas para registrar a história e as lendas.

Os mesopotâmicos desenvolveram suas habilidades em cerâmica ao longo de milhares de anos. No início, eles usaram as mãos para fazer potes simples. Mais tarde, aprenderam a usar uma roda de oleiro. Eles também usaram fornos de alta temperatura para endurecer a argila. Eles aprenderam a fazer diferentes formas, esmaltes e padrões. Logo sua cerâmica se transformou em obras de arte.

As joias finas eram um símbolo de status na Antiga Mesopotâmia. Homens e mulheres usavam joias. Os joalheiros usavam pedras preciosas finas, prata e ouro para fazer designs complexos. Eles faziam todos os tipos de joias, incluindo colares, brincos e pulseiras.

Por volta de 3000 aC, os metalúrgicos da Mesopotâmia aprenderam a fazer bronze misturando estanho e cobre. Eles derretiam o metal em temperaturas muito altas e depois o transformavam em moldes para fazer todos os tipos de itens, incluindo ferramentas, armas e esculturas.

Os carpinteiros eram importantes artesãos na Antiga Mesopotâmia. As peças mais importantes foram feitas com madeiras importadas, como a madeira de cedro do Líbano. Eles construíram palácios para os reis usando cedro. Eles também construíram carruagens para a guerra e navios para viajar nos rios Tigre e Eufrates.

Muitas peças finas de artesanato em madeira foram decoradas com incrustações. Eles pegariam pequenos pedaços de vidro, pedras preciosas, conchas e metal para fazer decorações bonitas e brilhantes em itens como móveis, peças religiosas e instrumentos musicais.

Algumas das melhores obras de arte e artesanato da Mesopotâmia que sobreviveram foram esculpidas por pedreiros. Eles esculpiram de tudo, desde grandes esculturas a pequenos relevos detalhados. A maioria das esculturas tinha significado religioso ou histórico. Geralmente eram dos deuses ou do rei.

Eles também esculpiram pequenas pedras cilíndricas detalhadas que eram usadas como selos. Esses selos eram muito pequenos porque eram usados ​​como assinaturas. Eles também eram bastante detalhados, então não podiam ser copiados facilmente.


Leitor espirituoso

Este livro curto, mas excepcional, dá conta da vida, economia, religião, arte e cultura dos primeiros aborígenes mexicanos. A narração começou com origens bastante teóricas dos habitantes do México por uma discussão do ambiente que forneceu a estrutura para uma evolução darwiniana. Aparentemente, os relatos históricos desse período basearam-se principalmente em escavações arqueológicas. Os lagos, ilhas e principal
Sítios arqueológicos no Vale do México foram mapeados no livro.

A riqueza da natureza era ideal para o desenvolvimento de uma fauna variada que, por sua vez, fornecia alimento para os animais já extintos e o homem primitivo. A única evidência da presença do homem primitivo, ou seja, os índios da Idade da Pedra foram principalmente retirados da sobra de suas supostas caçadas.

Durante o período arcaico, o foco no desenvolvimento do homem é sua capacidade de aproveitar sua natureza para atender às suas necessidades. Ao contrário do índio da Idade da Pedra, que dependia primitivamente de atacar como animais, o homem arcaico era fazendeiro. As tendências nômades foram totalmente alteradas, pois esse conjunto de pessoas primitivas vivia em um grupo social em um local fixo devido à agricultura ter se tornado seu novo meio de vida. Assim, eles tinham equipamentos mais sofisticados feitos de pedra polida. Embora a população ainda fosse relativamente pequena, muitos grupos diferentes de pessoas arcaicas desenvolveram-se em torno dos lagos, por exemplo, Zacatenco, Tlatilco, etc., como fonte de água. Essas pessoas compartilham culturas basicamente semelhantes, com pequenas diferenças nas artes, conforme evidenciado pelas escavações.

O desenvolvimento da irrigação primitiva para a agricultura, ou seja, o cultivo de pequenas áreas de parcela (ou seja, chinampas), seguiu-se devido a razões climáticas. Bernal se referiu a essa época como o período formativo. Acreditava-se que um período de seca forçou os primeiros humanos a encontrar maneiras de obter rendimentos adequados com a estiagem, que também alterou a flora e a fauna do local. O período formativo também marcou o desenvolvimento cultural promovido por outros grupos vindos do oeste do México e das tribos olmecas.

O período clássico equivale ao início da antiga história mexicana, durante a qual marcou a evolução da civilização da Mesoamérica. Esta é a era de Teotihuacan, que refletiu uma civilização totalmente urbana. Esta foi uma era de unidade entre o povo do México Central em termos de cultura, religião e economia. No entanto, a crise alimentar, as insurgências e os conflitos religiosos acabaram por destruir a civilização, após o que as milícias militaristas e ditatoriais prosperaram no período de caos. A cidade de Teotihuacán morreu em chamas (Bernal, I., 1963, pp47-48). E sua história foi transformada em mito pelo próximo grupo de pessoas que ocupou o lugar, os Tol & # 173tecs de Tula. Por causa de suas grandes habilidades arquitetônicas e mecânicas, eles foram descritos como Mestres Construtores. Bernal pode ter considerado a era dos toltecas como um interregno porque é uma transição entre duas grandes civilizações, sucedendo a Tenochca e precedendo o império asteca. Os toltecas ou pessoas civilizadas são nativos de língua nahua que vieram para Culhuacan e estabeleceram sua capital em Tula Hidalgo. (Vaillant, G.C., 1962, p41). No conto cosmológico, a Lenda dos Sóis, o Quinto Sol representa os toltecas, que foram descritos como homens perfeitos por causa de suas capacidades agrícolas quase perfeitas na produção de grãos e grãos.

Um ataque massivo de povos semi-nômades chamados chichimecas invadiu o povo civilizado tolteca que levou à queda de Tula. Esses caçadores bárbaros foram descritos com personagens incultos, mas formaram alianças para expansão territorial. Bernal também deu uma breve etimologia dos chichimecas para entender melhor suas origens e cultura.

Finalmente, os astecas, especialmente os Tenochcas do que mais tarde será conhecido como Cidade do México, surgiram e floresceram das cinzas do período toltect-Chichimec. Nesse ponto, Bernal fez relatos mais específicos e detalhados sobre a história política e econômica dos astecas. Os astecas usavam a família como instituição social básica e formavam uma forma quase democrática de governo, em que um conselho central composto por líderes tribais toma as decisões. A economia doméstica e tribal oferecia comida, abrigo, ferramentas e roupas. A agricultura ainda era o principal meio de subsistência, que também é a base para a divisão das terras territoriais. Vivendo intimamente em contato com a natureza, os astecas desenvolveram um alto grau de habilidade artesanal. Naturalmente, a inclinação para decorações criativas foi produzida para oferendas religiosas, que agora fazem parte de suas artes. Basicamente, a escultura de seus deuses evidenciava seus talentos artísticos e a construção de templos religiosos refletia sua destreza arquitetônica.

Além da descrição do estilo de vida e cultura asteca, Bernal também especificou a elite que moldou a história antiga asteca. Acamapichtli, o primeiro rei mexicano é de quem nasceu o primeiro rei cuja mãe não é da nobreza, Izcoatl. Isso desencadeou revoltas em vários países que queriam se libertar de Azcapotzalco. Com sua forte perspicácia militar. Izcoatl formou uma aliança com a dinastia Chichimec que ajudou a neutralizar as cidades Tepanec. Os astecas estavam em seu apogeu de desenvolvimento até que um grupo de invasores da Europa chegou. Cortes com centenas de homens veio equipado com artilharia moderna, canhões, cavalos, etc. para conquistar e derrotar os astecas.

Este livro cobriu completamente a evolução do homem e da civilização no México. Tudo começou de uma forma bastante científica para um estilo darwiniano de evolução, as tendências psicológicas e racionais do homem em reação à natureza, o desenvolvimento da capacidade, o desenvolvimento social que cultivou a civilização e, finalmente, as primeiras elites políticas que moldaram o destino do povo . Ao longo da narração, há citações de autores indianos que se encaixam no quebra-cabeça que as interpretações das escavações arqueológicas podem revelar. Essas fontes adicionais de informação, por exemplo Legend of the Suns ajudou as pessoas a compreender completamente o crescimento da civilização indiana no México sob a nuance de um tom bastante espiritual. Fotos dos artefatos e esculturas fornecem uma visão saliente das grandes civilizações mexicanas e ajudaram o público a apreciar melhor as antiguidades. Em termos de leitura de livros de história, as imagens e diagramas fornecem um ambiente para melhor apreender o contexto dos relatos no livro tornando-o mais interessante. Entre os artefatos de destaque que ajudam as pessoas a visualizar a narração estão a Grande Pirâmide de Tula e a Colunata adjacente, o Templo de Quetzalcoatl em Teotihuacán e a Estátua Colossal da "Deusa da Água".

Bernal, I. (1963). México antes de Cortez: arte, história e lenda. (Garden City, Nova York: Doubleday and Company, Inc.,


Os artistas de design asteca eram normalmente pessoas contratadas pelo estado ou pela rica nobreza para criar peças de arte. As classes mais baixas eram proibidas de criar ou possuir arte, então a criação de arte era regulada pelas classes mais ricas.

Os artistas astecas eram chamados de “tolteca”, o que significava artesãos habilidosos. Os artistas foram estimados e ricamente recompensados ​​por seu trabalho. Alguns artistas, especializados em artes não praticadas no Império Asteca, foram chamados de outros estados para trabalhar na cidade de Tenochtitlan.


Artes marciais astecas?

O México não estava ligado às Filipinas de alguma forma? Por meio do comércio de mercadorias?

Isso pode explicar qualquer influência filipina nas artes marciais e vice-versa.

Kampfringen

Eles os tinham? Certo. A evidência está lá de que eles tinham artes marciais, mas a evidência do que essa arte era não está lá. Perdido e desaparecido para sempre, infelizmente.

Não estou surpreso que haja um grupo por aí afirmando ensinar & quotAztec Martial Arts & quot. Eles são como muitos outros grupos que afirmam ensinar o homem viking, romano, grego antigo, alienígena, cromagnon. etc. & quotMartial Arts & quot. Eles estão simplesmente inventando e reivindicando linhagens antigas falsas. Embora existam muitas artes marciais hoje que reivindicam linhagens antigas e elas não são mais antigas do que o século 20 DC.

& quotAté mesmo o conceito de espada é encontrado no Macuahuitl mais ou menos. & quot.
Acho que ele não entende o conceito de espada, mais ou menos.

Mangekyou

Obrigado pela informação. Isso certamente explicaria as influências nos dois sentidos, já que o comércio geralmente flui através de diferentes colônias de um império.

Você diria que eles desenvolveram o Escrima, desta forma, ou métodos semelhantes ao Escrima? Seria viável, sim, dada a natureza da disciplina.

Kampfringen

Os astecas desenvolvem métodos semelhantes ao escrima? ou você está se referindo.
& quotIsso pode explicar qualquer influência filipina nas artes marciais e vice-versa. & quot.

Você teria que ser capaz de documentar alguma influência da Europa nas Filipinas e nos astecas e assim por diante. não vejo isso sendo possível, pois não sabemos o que a arte que os astecas praticavam. Fazer uma conexão da Europa com as Filipinas é difícil o suficiente. Ou mesmo descobrir a arte que eles praticavam nas Filipinas antes dos europeus é impossível. Eles não tinham nenhum registro escrito. Não podemos saber o que era a Arte, embora saibamos que havia uma Arte. Engarrafar a mente, não é.

Ainda é toda especulação que não pode ser confirmada sim ou não.

Mangekyou

Os astecas desenvolvem métodos semelhantes ao escrima? ou você está se referindo.
& quotIsso pode explicar qualquer influência filipina nas artes marciais e vice-versa. & quot.

Você teria que ser capaz de documentar alguma influência da Europa nas Filipinas e nos astecas e assim por diante. não vejo isso sendo possível, pois não sabemos o que a arte que os astecas praticavam. Fazer uma conexão da Europa com as Filipinas é difícil o suficiente. Ou mesmo descobrir a arte que eles praticavam nas Filipinas antes dos europeus é impossível. Eles não tinham nenhum registro escrito. Não podemos saber o que era a Arte, embora saibamos que havia uma Arte. Engarrafar a mente, não é.

Ainda é toda especulação que não pode ser confirmada sim ou não.

Kampfringen

Opa perdeu isso. Eu diria que o macauhtil seria mais parecido com um pedaço de pau do que com uma espada. A razão para chamá-la de espada não é porque ela é usada como uma espada. É um porrete com obsidiana afiada e não é realmente uma espada em uso.

Seria semelhante ao Eskrima? Mais uma vez, não há como saber com certeza.

Mangekyou

Opa perdeu isso. Eu diria que o macauhtil seria mais parecido com um pedaço de pau do que com uma espada. A razão para chamá-la de espada não é porque ela é usada como uma espada. É um porrete com obsidiana afiada e não é realmente uma espada em uso.

Seria semelhante ao Eskrima? Mais uma vez, não há como saber com certeza.

Kampfringen

Mas então a questão teria que ser levantada.
Por que insistir na luta de um povo de tribos atrasadas seria necessário na Europa, onde as artes marciais mais sofisticadas do mundo estavam conquistando o mundo? Não estou querendo parecer rude de forma alguma, apenas apontando o óbvio.

Além disso, os europeus estavam familiarizados com suas próprias lutas de bastão. O que as artes marciais das Filipinas têm para oferecer à Europa?

Os filipinos podem estar dizendo a mesma coisa. O que esses bárbaros cabeludos têm a nos oferecer à nossa Arte?

Mangekyou

As artes marciais têm a ver com expressão e muitas artes marciais assimilam. Não estamos falando sobre a importação do sistema para a Espanha, estamos. Estamos falando sobre os astecas sendo expostos a outros sistemas. Se o comércio era frequente entre os países, não vejo por que eles não poderiam ter sido expostos a ele por procuração.

Novos estilos de luta, novas técnicas. Mais uma vez, não estamos falando de exposição ao continente, mas de uma colônia de fronteira.

Kampfringen

Por que não? Porque eles não precisam disso. Eles tinham seus próprios. A luta com vara não é tão importante quanto a infinidade de outras armas da época no combate corpo a corpo.

As artes marciais não se referem à autoexpressão. Pelo menos artes marciais então. O termo tem um significado diferente hoje. Tipo de arte errado. Não artes plásticas. A expressão ou aplicação da habilidade criativa e imaginação humana, normalmente em uma forma visual, como pintura ou escultura. Isso não é usado como uma definição de arte até depois de 1600. A arte na arte marcial é a definição antiga. Habilidades adquiridas por experiência, estudo e observação. Um ramo de aprendizagem.
Estamos falando sobre exposição agora? Ou artes diferentes influenciando umas às outras? Achei que estávamos discutindo o último. A exposição por procuração não significa influenciar as artes uns dos outros. Isso não seria especialmente verdadeiro em relação às artes marciais?


SUDOESTE

DE HOLBEIN A HOCKNEY: UMA HISTÓRIA DA PINTURA DE RETRATO BRITÂNICA

30 de junho de 2021, 10h00 - 15h30
Palestrante: Valerie Woodgate

A pintura de retratos foi mais prolífica na Grã-Bretanha do que em qualquer outro lugar da Europa. Explore as razões para isso e considere como o artista revela informações sobre seus modelos e as circunstâncias sociais e políticas em que foram pintados. Mudanças artísticas no retrato ao longo de vários séculos também serão exploradas.

Local: Buckfast Abbey Conference Center, Buckfastleigh, Devon TQ11 0EG
Custo: £ 39 (incluindo café e buffet de almoço)

Contato: Sarah Merchant - [email protected] T: 01398 341973. Para mais detalhes, visite www.theartssocietysw.org.uk

DECODING ART - UM GUIA PARA A HISTÓRIA DA ARTE

23, 30 de setembro e 7, 14 e 21 de outubro de 2021, 10h30 - 15h30
Palestrantes: Geri Parlby e Jeni Fraser

Aprenda mais sobre a arte grega no período arcaico e clássico e também a arte do Oriente bizantino na idade não tão negra. Explore o trabalho de mulheres artistas ao longo dos tempos antes de descer para descobrir a diversidade da arte aborígine. Examine a medicina em arte e uma história tóxica de pigmentos venenosos.

Local: Museu de Somerset, Castle Green, Taunton TA1 4AA

DECODING ART - A GUIDE TO ART HISTORY

4, 11, 18 & 25 November & 2 December 2021, 10.30am - 3.30pm
Lecturers: Geri Parlby & Jeni Fraser

The birth and flowering of the Renaissance Period from Duccio in early C14th Sienna through to the Elizabethan period in the C16th covering France, Germany and England. Also lectures on Fifty Shades of Blue and Mass & Form - sculpture from Rodin to the present day.

Venue: Exeter Central Library, Castle Street, Exeter EX4 3PQ

Price: £130 (full course)
Contact: Carol Cathcart - [email protected]
Additional information: www.theartssocietysw.org.uk


Inside the Aztec empire

It’s the year 1500. A buyer and a seller are haggling in the massive Aztec marketplace of Tlatelolco, over chiles, cacao beans or copal incense perhaps. It’s getting heated.

“Swallow-mouthed!” (Such a chatterer!)

“Have you become a wild bee?” (So puffed up.)

“Where is the sorcerer?” (Are you trying to stiff me?)

“Is it your real nose?” (Honestly?)

Welcome to "Everyday Life in the Aztec World," a new book co-authored by archaeologist Michael Smith, a professor in Arizona State University’s School of Human Evolution and Social Change.

Incredibly vivid and detailed, the book takes readers on a tour of one of Mesoamerica’s greatest civilizations through the daily lives of six people – the emperor, a priest, a featherworker, a merchant, a farmer and a slave – and four events – the birth of a child, a market day, a day in court and a battle.

The book is like a trip back through time with two expert guides. Interspersed throughout the chapters are fictional vignettes like the haggling at the market, a frantic novice priest who finds himself short of human sacrifices on the eve of an important ceremony, a slave who has been slacking off weaving and learns her owners are considering selling her to the priests, and an ambitious farmer who may have bitten off more than he can chew.

But it’s not exactly fiction. Every single detail and fact is real.

“We’re not novelists,” said Smith of his collaboration with Frances Berdan, professor emeritus of anthropology at California State University, San Bernadino. “We’re scholars.”

Smith has worked in Mexico for decades and directs ASU’s Teotihuacan Research Laboratory in Mexico. Berdan speaks Nahuatl, the Aztec language, and is an expert on Spanish colonial documents like the Florentine Codex, a 16th-century ethnography written by the Spanish Franciscan friar Bernardino de Sahagún.

“We both sort of had fun with these little fictional vignettes,” Smith said. “That kind of thing is fun to do, but if you do too much of it … We're trying to write history we're trying to write archeology. We're not trying to write fiction about the Aztecs, but adding those (vignettes) sort of lends a certain level of immediacy to it. And it was a lot of fun. I really enjoyed it and the ones that I wrote tie in … to specific sites I've worked at and things I've done.”

Even if you’re somewhat familiar with the period and culture, surprising facts leap out:

  • Priests were regarded as somewhat creepy. “There was probably a basic wariness around someone who controlled mysterious and powerful forces,” Smith said. Not helping may have been the fact that priests never washed their hair, which was matted with dried human blood from sacrifices. (Aztecs were clean people who bathed regularly.)
  • If things weren’t working out for you, you could simply pick up and leave. It wasn’t medieval Europe, where that wasn’t an option. You went to another village and pled your case before the local council, who would place you with a family who needed help with farming or pottery making or the like.
  • If things really weren’t working out for you, you could sell yourself into slavery. You could also buy your way out of it (although it wasn’t easy).
  • One category of society were “bathed” slaves, destined for a one-way trip to the top of a temple, and there was no way out of that.

Along the way, the book provides glimpses of Aztec culture that remain today in Mexico. For instance, Aztec markets were almost exactly like big Mexican markets today, like the Libertad in Guadalajara, where everything has its own place: the saddle aisle, the live bird aisle, and so on. The Tlatelolco marketplace was surrounded by arcades, as in many Mexican cities today, where goods cost a bit more than those sold out on the plaza. And the basic setup for a seller — goods spread out on a tarp on the ground, with an awning overhead to shield the sun – has not changed at all in five centuries.

“I think a lot of what still exists in Mexico today in Mexican culture are not the big things like the empire and the big pyramids and the sacrifices, the offerings — it's the everyday kinds of things,” Smith said. “It's the way people build their houses and the way things are laid out on the ground, the marketplaces, that kind of thing.”

As the introduction notes, “We are fortunate to glimpse this colorful, vibrant world.”

Top image: Aztec stone cuauhxicalli of Moctezuma. Aztec Gallery of the National Museum of Anthropology, Mexico City. Photo courtesy of Wikimedia


The Arts And Crafts

The Arts and Crafts movement did bring about some major changes in decorative arts, which makes it simpler for people to make decorative items along with other works of art, such as furniture.The Arts and Crafts much of the emphasis from the Arts and Crafts Movement was on the creation of handcrafted objects with high standards of quality. The Arts and Crafts Additionally, it highlighted the value of the individual artisan in addition to their capacity to customize works in addition to their capacity to express their creativity through their crafts. This focus on the individual craftsman extends to today’s contemporary architects as well.

When most crafts designers don’t attempt and create the specific same type of thing again, the Arts and Crafts Movement encouraged the continuous creation of new decorative pieces. In fact, there have been an endless number of”improvements” the craftsmen and women in this movement could make. The Arts and Crafts Movement also encouraged creativity and the sharing of innovative ideas, which is among the hallmarks of craftsmanship.

British Accent

British accent in the first part of the 19th century, there was a design of decorative arts called the British Accent. British accentthis decorative design was actually quite like the Arts and Crafts Movement, but the British Accent had a more traditional, antique look to it. This style can be referred to as Victorian or Regency. This fashion was really the first type of decorating design to be adopted by the Victorians.

The Arts and Crafts Movement also boosted the production of items like paintings and glassworks. This was actually the very first true attempt to use modern technology in art creation. A number of the items made during that time period are regarded as some of the greatest examples of floral decorations that were made in the past two centuries. One of the most popular products from this time frame was the tea or vase table, which is still a very common product now.

Vitoriana

Vitoriana throughout the late part of the Victorian era, the Arts and Crafts Movement took a substantially different direction. Vitoriana as opposed to focusing on decorative arts, this movement concentrated more on furniture. Vitoriana the Arts and Crafts Movement supported the creation of a new type of furniture known as the Arts and Crafts Furniture, which were completely different from the normal furniture that was being generated at the time. This new furniture was designed to mimic the decorative arts crafts of yesteryear, but it was produced in much larger amounts.

In the last few years, the Arts and Crafts Movement have come to be much less fashionable. In fact, lots of people would agree the Arts and Crafts movements have become somewhat boring and they have lost a lot of their initial function. However, there are still a great deal of individuals who like decorating their houses with things made from natural substances.

Hi all ! I'am Edward from Illinois. I am a civil engineer and I have 4 children :) I will inform to about art.


Cross-curricular learning

Please note: this guide was written before the 2014 National Curriculum and some of the advice may no longer be relevant.
For more up-to-date guidance see:

This resource is free to everyone. For access to hundreds of other high-quality resources by primary history experts along with free or discounted CPD and membership of a thriving community of teachers and subject leaders, join the Historical Association today

Cross-curricular work offers a creative way to develop children's knowledge, skills and understanding while motivating them to learn through stimulating, interconnected topics. A study which crosses subject boundaries allows for investigations that engage children's imagination. It also gives teachers opportunities to encourage active enquiry, taking the initiative, and discussion and debate by children.

As history is above all the study of the human condition, it provides us with endless opportunities for fostering children's personal development.

In all cross-curricular topics, the history provides an ideal context for extending children's literacy, in speaking and listening, reading and writing. See History and Literacy.

Curriculum breadth and balance. This is considered at the long-term planning stage. Long-term plans exist to ensure that pupils receive their entitlement to the whole primary curriculum. They map the curriculum for the school over a whole year, and are generally the responsibility of the Senior Leadership Team.

Links between subjects. Make links real, not contrived. Choose areas where genuine connections between subjects occur naturally. Will the connections make sense to the children? On the school's long-term plan, look for any obvious links between subjects and areas. For example, if for geography you plan to study Mexico as a locality, and for history to study a world civilisation, choose the Aztecs, as this will create a genuine history/geography cross-curricular topic, into which you can build social understanding.

Coerência. Teaching cross-curricular topics does not mean doing the kind of unfocused topic work that was common before the introduction of the National Curriculum and was heavily criticised by HMI in 1978. Good cross-curricular topics can include several subjects, but there should be just one or two lead subjects. The lead subject provides a framework and focus for the topic.

Keep track of subject objectives. Use your medium- and short-term plans to map the learning objectives for each separate subject to be included in the cross-curricular topic. Even though the teaching may be integrated, objectives should be identified as history, PSCHE, geography, and so on. This is the only way to check your coverage of the primary curriculum overall, and to plan for progression in each subject.

Ensuring progression. There is a difference between children making progress in a subject and doing a bit of practice in it. For example, in a local study, asking children to make a key for a historical map does not in itself ensure progression in geography, though it will give the children the opportunity to use and apply geography knowledge, skills and understanding in a purposeful context.

Questions to ask yourself

  • Am I tackling substantive concepts, knowledge or skills in all the subjects included in the topic?
  • Will the children be making real progress in each subject?
  • If not, will they be using and applying such subject knowledge in the course of a cross-curricular topic?

Framework and focus

You can give your cross-curricular topic a coherent framework through:

Key concepts
These are powerful tools for developing thinking and understanding.

At key stage 1, the key concepts of change and continuity could involve shopping, transport or school, comparing now with then - parents' or grandparents' generation - and involve geography (surveys, maps), art (such as collage of a street now and then) and maths (using and applying - pictorial graphs), as well as the key subject of history.

At key stage 2, studying aspects of British history provides an ideal historical framework for examining concepts of change and continuity. It could incorporate RE (new religions in Britain) geography (change/continuity involving a locality and/or a geographical theme - water, settlement, environment) music (continuity - classical change - such as rock/punk/rap) ICT (now and fifty years ago), and so on.

A main theme (such as Our school, or The story of flight). The latter is an old favourite at key stage 1, and makes a good cross-curricular history-led topic, incorporating design technology and science (when we taught it, hot air balloons and paper aeroplanes were the focus of science and design experiments) See also Creativity.

A specific focus (such as Local study). Local studies are perfect for both key stages and are available to us all. Using the local area as the focus of learning can serve different subjects splendidly and naturally. Studying local history always involves geography (using maps and plans and looking at settlement and change) and social understanding, as children enquire into people's beliefs, attitudes and environment in the past. Local studies can also include art, design, science, RE and other subjects, as in our cross-curricular project on local urban parks and gardens. Here the two key themes are: The parks and their environs in the past e People, plants and animals in the parks. See Urban spaces.

Practical approaches

There are so many ways to teach exciting, enquiry-led topics that link history with geography and social understanding, as well as with subjects in Rose's other five areas:

1 History-led topic, e.g. investigating historical sites and buildings includes elements of geography see e.g. Castles in KS1 and a Local Study in KS2. See also The Great Fire of London, which includes art, drama, story-writing and poetry.

2 Topic with two lead subjects, such as history and literacy. Most of our lessons include the teaching of literacy, but for those with particularly strong joint history/literacy objectives see: Boudicca, Haughmond Abbey, Slate mines, Two mining disasters, a Tudor Tempest, the two Archimedes and the Kings crown and Archimedes and the Syracusan War, and Great Fire of London lesson 1 and Great Fire of London lesson 4.

3 History could form one strand in a more general topic. See, for example, our Urban spaces investigation. Key stage 1 teachers have traditionally taught through topics. See these key stage 1 lessons for history taught as part of topics:

  • Flight: a science and design technology topic, with history stories providing a chronological thread and a stimulus to science and design technology activities Flight: cross-curricular lessons
  • People who help us: Florence Nightingale, a history and literacy sub-topic.
  • Local history: Magdalen Road, a geography, history, art and literacy topic.
  • Winter: Geography and history topic, focusing on weather, conditions for survival, and Scott and Amundsens journeys.
  • Water: The stories of Columbus and Magellan formed the history part of this topic. The history-focused lessons included discussion and debate, role play and design. See Columbus: was he a hero?Columbus the explorer: story-telling and Magellan(coming soon).
  • Toys and games: The topic focused on forces in science, storytelling in English and objects and pictures in history. See Toys and games.

Key questions

Drive your topic with key questions they will provide a purpose for activities. For example in a Mexico/Aztecs, history/geography and social understanding topic:


Inside the Aztec empire

It’s the year 1500. A buyer and a seller are haggling in the massive Aztec marketplace of Tlatelolco, over chiles, cacao beans or copal incense perhaps. It’s getting heated.

“Swallow-mouthed!” (Such a chatterer!)

“Have you become a wild bee?” (So puffed up.)

“Where is the sorcerer?” (Are you trying to stiff me?)

“Is it your real nose?” (Honestly?)

Welcome to "Everyday Life in the Aztec World," a new book co-authored by archaeologist Michael Smith, a professor in Arizona State University’s School of Human Evolution and Social Change.

Incredibly vivid and detailed, the book takes readers on a tour of one of Mesoamerica’s greatest civilizations through the daily lives of six people – the emperor, a priest, a featherworker, a merchant, a farmer and a slave – and four events – the birth of a child, a market day, a day in court and a battle.

The book is like a trip back through time with two expert guides. Interspersed throughout the chapters are fictional vignettes like the haggling at the market, a frantic novice priest who finds himself short of human sacrifices on the eve of an important ceremony, a slave who has been slacking off weaving and learns her owners are considering selling her to the priests, and an ambitious farmer who may have bitten off more than he can chew.

But it’s not exactly fiction. Every single detail and fact is real.

“We’re not novelists,” said Smith of his collaboration with Frances Berdan, professor emeritus of anthropology at California State University, San Bernadino. “We’re scholars.”

Smith has worked in Mexico for decades and directs ASU’s Teotihuacan Research Laboratory in Mexico. Berdan speaks Nahuatl, the Aztec language, and is an expert on Spanish colonial documents like the Florentine Codex, a 16th-century ethnography written by the Spanish Franciscan friar Bernardino de Sahagún.

“We both sort of had fun with these little fictional vignettes,” Smith said. “That kind of thing is fun to do, but if you do too much of it … We're trying to write history we're trying to write archeology. We're not trying to write fiction about the Aztecs, but adding those (vignettes) sort of lends a certain level of immediacy to it. And it was a lot of fun. I really enjoyed it and the ones that I wrote tie in … to specific sites I've worked at and things I've done.”

Even if you’re somewhat familiar with the period and culture, surprising facts leap out:

  • Priests were regarded as somewhat creepy. “There was probably a basic wariness around someone who controlled mysterious and powerful forces,” Smith said. Not helping may have been the fact that priests never washed their hair, which was matted with dried human blood from sacrifices. (Aztecs were clean people who bathed regularly.)
  • If things weren’t working out for you, you could simply pick up and leave. It wasn’t medieval Europe, where that wasn’t an option. You went to another village and pled your case before the local council, who would place you with a family who needed help with farming or pottery making or the like.
  • If things really weren’t working out for you, you could sell yourself into slavery. You could also buy your way out of it (although it wasn’t easy).
  • One category of society were “bathed” slaves, destined for a one-way trip to the top of a temple, and there was no way out of that.

Along the way, the book provides glimpses of Aztec culture that remain today in Mexico. For instance, Aztec markets were almost exactly like big Mexican markets today, like the Libertad in Guadalajara, where everything has its own place: the saddle aisle, the live bird aisle, and so on. The Tlatelolco marketplace was surrounded by arcades, as in many Mexican cities today, where goods cost a bit more than those sold out on the plaza. And the basic setup for a seller — goods spread out on a tarp on the ground, with an awning overhead to shield the sun – has not changed at all in five centuries.

“I think a lot of what still exists in Mexico today in Mexican culture are not the big things like the empire and the big pyramids and the sacrifices, the offerings — it's the everyday kinds of things,” Smith said. “It's the way people build their houses and the way things are laid out on the ground, the marketplaces, that kind of thing.”

As the introduction notes, “We are fortunate to glimpse this colorful, vibrant world.”

Top image: Aztec stone cuauhxicalli of Moctezuma. Aztec Gallery of the National Museum of Anthropology, Mexico City. Photo courtesy of Wikimedia

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